Biografía Jackson Pollock

Jackson Pollock

Jackson Pollock

Biografía

(1912–1956)
El famoso artista del siglo XX Jackson Pollock revolucionó el mundo del arte moderno con sus singulares técnicas de pintura abstracta.

¿Quién era Jackson Pollock?


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El artista Jackson Pollock estudió con Thomas Hart Benton antes de abandonar las técnicas tradicionales para explorar el expresionismo de la abstracción a través de sus obras de salpicadura y acción, que consistían en verter pintura y otros medios directamente sobre los lienzos. Pollock fue reconocido y criticado por sus convenciones. Murió tras conducir ebrio y estrellarse contra un árbol en Nueva York en 1956, a los 44 años.

Vida temprana

Paul Jackson Pollock nació el 28 de enero de 1912 en Cody, Wyoming. Su padre, LeRoy Pollock, era agricultor y topógrafo del gobierno, y su madre, Stella May McClure, era una mujer férrea con ambiciones artísticas. El menor de cinco hermanos, era un niño necesitado y a menudo buscaba la atención que no recibía.

Durante su juventud, la familia de Pollock se trasladó por el Oeste, a Arizona y a toda California. Cuando Pollock tenía 8 años, su padre, que era un alcohólico abusivo, abandonó la familia, y el hermano mayor de Pollock, Charles, se convirtió en un padre para él. Charles era un artista, y estaba considerado como el mejor de la familia. Tuvo una gran influencia en las futuras ambiciones de su hermano menor. Mientras la familia vivía en Los Ángeles, Pollock se matriculó en el instituto de artes manuales, donde descubrió su pasión por el arte. En 1930, a los 18 años, Pollock se trasladó a Nueva York para vivir con su hermano Charles. Pronto comenzó a estudiar con el profesor de arte de Charles, el pintor regionalista representativo Thomas Hart Benton, en la Art Students League. Pollock pasó gran parte de su tiempo con Benton, a menudo cuidando al hijo pequeño de éste, y los Benton acabaron convirtiéndose en la familia que Pollock sentía que nunca había tenido.

La era de la Depresión

Durante la Depresión, el presidente Franklin D. Roosevelt puso en marcha un programa llamado Proyecto de Obras de Arte Públicas, uno de los muchos destinados a reactivar la economía. Pollock y su hermano Sanford, conocido como Sande, encontraron trabajo en la división de murales del PWA. El programa de la WPA dio lugar a miles de obras de arte de Pollock y de contemporáneos como José Clemente Orozco, Willem de Kooning y Mark Rothko.

Pero a pesar de estar ocupado con el trabajo, Pollock no podía dejar de beber. En 1937, comenzó a recibir tratamiento psiquiátrico por alcoholismo con un analista junguiano que alimentó su interés por el simbolismo y el arte nativo americano. En 1939, Pollock descubrió la exposición de Pablo Picasso en el Museo de Arte Moderno. La experimentación artística de Picasso animó a Pollock a ampliar los límites de su propia obra.

Amor y trabajo

En 1941 (algunas fuentes dicen que en 1942), Pollock conoció en una fiesta a Lee Krasner, una artista contemporánea judía y pintora consolidada por derecho propio. Más tarde, ella visitó a Pollock en su estudio y quedó impresionada por su arte. Por aquel entonces, Peggy Guggenheim comenzó a interesarse por los cuadros de Pollock. Durante una reunión con el pintor Pete Norman, éste vio algunos de los cuadros de Pollock tirados en el suelo y comentó que el arte de Pollock era posiblemente el más original de los americanos que había visto. Guggenheim contrató inmediatamente a Pollock.

Krasner y Pollock se casaron en octubre de 1945 y, con la ayuda de un préstamo de Guggenheim, compraron una granja en la zona de Springs, en East Hampton, en Long Island. Guggenheim dio a Pollock un estipendio para que trabajara, y Krasner se dedicó a ayudar a promocionar y gestionar su obra. Pollock estaba feliz de estar de nuevo en el campo, rodeado de naturaleza, lo que tuvo un gran impacto en sus proyectos. Su nuevo entorno y el apoyo de su esposa le llenaron de energía. En 1946, convirtió el granero en un estudio privado, donde continuó desarrollando su técnica de «goteo», en la que la pintura se desprendía literalmente de sus herramientas y caía sobre los lienzos que solía colocar en el suelo.

En 1947, Guggenheim entregó a Pollock a Betty Parsons, que no podía pagarle un estipendio, sino que le daba dinero a medida que se vendían sus obras.

El 'período de goteo'

Las pinturas más famosas de Pollock se realizaron durante este "período de goteo" entre 1947 y 1950. Se hizo muy popular tras aparecer en un artículo de cuatro páginas, el 8 de agosto de 1949, en la revista Life. El artículo preguntaba a Pollock: «¿Es el mejor pintor vivo de Estados Unidos?» El artículo de Life cambió la vida de Pollock de la noche a la mañana. Muchos otros artistas estaban resentidos por su fama, y algunos de sus amigos se convirtieron de repente en competidores. A medida que su fama crecía, algunos críticos empezaron a calificar a Pollock de fraude, haciendo que incluso él mismo se cuestionara su propia obra. Durante este tiempo, a menudo recurría a Krasner para determinar qué cuadros eran buenos, incapaz de hacer la diferenciación por sí mismo.

En 1949, la exposición de Pollock en la Galería Betty Parsons se agotó, y de repente se convirtió en el pintor de vanguardia mejor pagado de Estados Unidos. Pero la fama no le sentó bien a Pollock, que, a raíz de ella, empezó a despreciar a otros artistas, incluso a su antiguo maestro y mentor, Thomas Hart Benton. Además, los actos de autopromoción le hacían sentir como un farsante, y a veces concedía entrevistas en las que sus respuestas estaban guionizadas. Cuando Hans Namuth, un fotógrafo de documentales, empezó a producir una película de Pollock trabajando, a Pollock le resultó imposible "actuar" para la cámara. La exposición de Pollock en 1950 en la galería Parsons no se vendió, aunque muchos de los cuadros incluidos, como su Número 4, 1950, se consideran hoy obras maestras. Fue durante esta época cuando Pollock empezó a considerar que los títulos simbólicos eran engañosos, y en su lugar empezó a utilizar números y fechas para cada obra que realizaba. El arte de Pollock también se volvió más oscuro. Abandonó el método del «goteo» y comenzó a pintar en blanco y negro, lo que no tuvo éxito. Deprimido y atormentado, Pollock se reunía con frecuencia con sus amigos en el cercano Cedar Bar, donde bebía hasta que cerraba y se metía en violentas peleas.

Preocupada por el bienestar de Pollock, Krasner pidió ayuda a la madre de Pollock. Su presencia ayudó a estabilizar a Pollock, que comenzó a pintar de nuevo. Durante este periodo completó su obra maestra, The Deep. Pero a medida que aumentaba la demanda de arte de Pollock por parte de los coleccionistas, también lo hacía la presión que sentía, y con ella su alcoholismo.

Caída y muerte

Abordada por las necesidades de Pollock, Krasner tampoco podía trabajar. Su matrimonio se volvió problemático, y la salud de Pollock se debilitó. Comenzó a salir con otras mujeres. En 1956, había dejado de pintar y su matrimonio era un desastre. Krasner se marchó a París a regañadientes para dar espacio a Pollock.

Poco después de las 10 de la noche del 11 de agosto de 1956, Pollock, que había estado bebiendo, estrelló su coche contra un árbol a menos de un kilómetro de su casa. Ruth Kligman, su novia en ese momento, salió despedida del coche y sobrevivió. Otra pasajera, Edith Metzger, murió, y Pollock fue lanzado a 15 metros de altura y contra un abedul. Murió inmediatamente.

Krasner regresó de Francia para enterrar a Pollock, y posteriormente guardó un luto que duraría el resto de su vida. Conservando su creatividad y productividad, Krasner vivió y pintó durante otros 20 años. También gestionó la venta de los cuadros de Pollock, distribuyéndolos cuidadosamente entre los museos. Antes de su muerte, Krasner creó la Fundación Pollock-Krasner, que concede becas a jóvenes artistas prometedores. Cuando Krasner murió el 19 de junio de 1984, el patrimonio estaba valorado en 20 millones de dólares.

Legado

En diciembre de 1956, Pollock recibió una exposición retrospectiva conmemorativa en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y luego otra en 1967. Su obra ha continuado siendo honrada a gran escala, con frecuentes exposiciones tanto en el MoMA de Nueva York como en la Tate de Londres. Sigue siendo uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

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